Вот уже четыре года работает проект "За театр" на ресурсе В контакте Комитета по культуре Одинцовского городского округа. Рубрика "За театр!", как проект Одинцовского Народного театра при поддержке и инициативе Комитета культуры Одинцовского городского округа начала свою работу в 2020 году. Инициаторами рубрики по воспитанию и образованию зрителя стали председатель Комитета культуры Одинцовского городского округа Ирина Евгеньевна Ватрунина и журналист Маргарита Богданова. С 2020 года вышел ряд постов, вызвавший большой интерес не только зрителей, подписчиков сообществ, но и сотрудников культурных учреждений округа. Автором публикаций является режиссер и художественный руководитель Одинцовского Народного театра Светлана Лапшина.
Вы - за театр? Будьте с нами!
ТЕАТР – годом рождения мирового театра считается 534 год до нашей эры. Место рождения – Древняя Греция. С тех незапамятных времен искусство театра шествует по всему миру. Он разный. Каждая страна мира подарила театру свои особые традиции, своих великих актеров. Каждая эпоха отразилась в искусстве театра, как в зеркале. Театр – сложное искусство, вобравшее в себя другие виды искусств: живопись, танец, музыка, литература, архитектура служат для создания спектакля. Наверное, поэтому в искусстве театра так трудно бывает разобраться. Мы приглашаем вас сделать это вместе.
Почему театр называют "храмом?" Почему не актуальна декламация? "Реквизит" и "реквизиты" - в чем разница? Чем отличается "драматический спекаткль" от "театрализованного представления?" Все эти ньюансы, хорошо известные специалисту, не всегда известны зрителю. Поделиться с нашей аудиторией знаниями, открыть новое, исправить частые ошибки, которые делают зрители по незнанию - задача каждого причастного театральному искусству и творчеству.
«Как театр перебрался с улицы под крышу».
Зрительный зал и сцена под крышей. Так было не всегда. Прежде, чем перебраться под крышу, театр продолжительное время играл под открытым небом. В Древней Греции, откуда родом театральное искусство, места для зрителей устраивались на открытом воздухе, и крышей служил небосвод. Традиционной сцены-коробки, к которой привык современный зритель, тоже не было. Актёры играли в кругу или в полукружье – на площадке, окружённой зрительным залом, как на арене.
С наступлением новой эры – эры христианства, театр был запрещён как явление вредное и чуждое христианскому учению. Актёрские труппы под страхом смерти изгнаны из больших городов и кочуют от села к селу, потихоньку играя всё под тем же открытым небом. Иногда они находят приют в домах у знатных господ, и тогда в большом зале богатого дома даётся представление под крышей, но это случается не часто.
Спустя несколько веков учителя христианства и служители церкви решили вновь обратиться к искусству театра. Клирики решили, что представления на библейские темы на паперти храма – хороший способ для укрепления веры в народе. По большим праздникам сюжеты из Библии и Евангелия разыгрывались не только на площадке перед храмом, но и допускались в сам храм. Иллюстрация из Священных книг в исполнении актёров считалась делом богоугодным.
В Средние века театр начинает расправлять крылья и вновь заявляет о себе. Для выступлений актёров строятся подмостки на городских площадях. Часто сценой артистам служит телега-повозка, так называемый, «педжент». В большом праздничном представлении использовалось несколько педжентов, на которых актёры разыгрывали спектакль. Крыша в театре по-прежнему была неважна. Представления носили разовый характер и давались по праздникам или велению знатных особ.
Постепенно наиболее талантливые театральные труппы находят покровительство высоких правителей – герцогов и королей и становятся оседлыми. Появляется необходимость в специальном здании для спектаклей на постоянной основе. Для игры актёров отводятся просторные помещения, в которых организуется пространство под театр. Сцена начинает располагаться на небольшом возвышении, чтобы актёров было хорошо видно. Активно используются занавески, за которыми меняют декорации, со временем трансформирующиеся в занавес.
Переход театра в закрытое помещение потребовал нововведений в конструкции самой сценической площадки. У сцены появляются карманы, в которые уходят актёры, прячутся декорации и реквизит. Европейские архитекторы 15-18 века всерьёз думают, как улучшить конструкцию сцены и предлагают разные варианты. К 18 веку сцена приобретает вид, к которому мы привыкли – сцена-коробка. А конструкция такой сцены пришла из Италии. Сегодня театр прочно занял своё место под крышей. Но иногда, по старой памяти, выходит на улицу.
Декламация.
«Конечно», - скажите вы, - «Это выразительное чтение. У нас в школе был даже конкурс декламации, и мы заняли первое место. Диплом хранится в папке достижений».
Заглянем в Большой словарь иностранных слов: декламация — Декламации, мн. нет, ж. [латин. declamatio]. 1. Искусство выразительного чтения. 2. Напыщенная, неестественная манера речи, изложения, ложный пафос.
В последний раз искусство декламации в русском театре праздновало свою победу в 18 веке. Декламация – произнесение текста с интонированием, ударением на определенных слогах, напевно и нарочито подчеркнуто. Существовали даже некоторые правила, касающиеся произнесения определенных слов. Например, слова «нежность», «любовь», следовало произносить томно, слово «ненависть» яростно и страстно, и так далее, и тому подобное. Исполнители соревновались в искусстве декламации – кто более томно и более яростно способен произнести слова текста. Однако все эти упражнения никак не выявляли смысла текста, не помогали его донесению до зрителя. Актеры и режиссеры русской театральной школы боролись против бездумной декламации на сцене. Понятие «декламация» стало обозначать в театральных кругах дурной вкус, ложный пафос, вульгарные завывания вместо осмысленного произнесения текста.
На смену декламации пришло искусство художественного слова, основанное на принципах реализма, требующее от актера совсем другого подхода к произведению, которое он доносит со сцены. Вместо бездумного интонирования при работе с текстом во главу угла поставлена мысль автора произведения. От актера требуется не только «докладывание» текста – нужна его собственная позиция, соединяющаяся с позицией автора. Жюри на конкурсах художественного слова следит за тем, насколько текст присвоен исполнителем, насколько он сам верит в то, что говорит. Интонирование и подчеркивание определенных слов, неоправданная эмоциональность в искусстве художественного слова являются грубым нарушением. Каждое событие в тексте должно быть сначала понято, а затем прожито актером. Только тогда его речь будет звучать искренне и убедительно.
Наибольший расцвет жанра художественного слова в нашей стране пришелся на середину ХХ века. Актеры МХТ, Малого и других театров, явили образцы прочтения русской и зарубежной классики. Жанр художественного слова процветал на эстраде, в концертах он занимал видное место, открывая зрителю лучшие произведении современных авторов и утверждая произведения классической литературы.
А что же «декламация?» Увы, она осталась в прошлом. В конце 19 – начале 20 века, декламация попыталась было напомнить о себе с расцветом поэзии «Серебряного века». В моду тогда вновь вошло «чувствительное» напевное интонирование стихов, да еще под музыку. Появился даже новый жанр – «мелодекламация». Но это была лишь отсылка к искусственному стилю речи, не имеющему ничего общего с живой, искренней речью, какая должна звучать со сцены.
Почему же, по сей день, мы встречаем конкурсы «декламации» или «выразительного чтения?» Правильно – «художественного слова».
Как понять, что спектакль, который вы смотрите - плохой?
Театральное искусство это всегда широкий спектр жанров и направлений на любой зрительский вкус. Спектакль - дело вкуса. Но есть признаки, которые позволяют понять, что спектакль плохой:
1. Происходящее на сцене вам непонятно.
2. Вы невольно все время отвлекаетесь от действия.
3. Вы не можете объяснить себе чем руководствовался постановщик, подбирая те декорации и костюмы, которые вы видите в спектакле.
4. Временами вам становится неловко или даже стыдно за игру актеров.
5. Становится так скучно, что вы понимаете - в фойе гораздо интереснее, чем в зрительном зале. Вам хочется выйти.
6. После спектакля возникает тягостное чувство, как-будто чем-то отравился.
7. Выходя из зала вам неловко встретиться взглядом с другими зрителями.
8. Жаль денег потраченных на билет и, как финальный аккорд, вы даёте себе слово не посещать театр ещё полгода.
Костюм актера.
Театр – искусство зрелищное. На зрелищность спектакля работает ряд средств декорации, свет, костюм актера. На последнем остановимся.
Костюм героя служит не только зрелищности, но и дает зрителю множество информации о нем.
 По костюму можно понять, что за человек перед нами: сколько ему лет, где работает. Костюм сообщает зрителю о его характере, вкусах, привычках, манере поведения персонажа. Являясь неотъемлемой частью образа, костюм передает его тончайшие психологические нюансы. Детали костюма могут быть знаковыми и выявлять какую-либо определенную черту характера персонажа, на которой режиссер или актер хочет сделать акцент.
Как средство характеристики персонажа, костюм, пожалуй, одно из самых ярких выразительных средств.
Герой спектакля меняется с течением действия. Вместе с ним изменения претерпевает и костюм. Герой взрослеет и меняет костюм. Вместо темной полосы жизни он переходит в светлую, и в костюме тоже произойдут изменения.
На сцене не может быть случайных деталей. Для каждого спектакля ансамбль костюмов тщательно разрабатывается художником, режиссером и костюмером. Идет поиск деталей, работающих на образ, отвергаются лишние, не имеющие отношения к образу героя.
Сценический костюм не обязательно должен быть дорогим, но обязательно он должен быть выполнен со вкусом, сочетаться с декорациями, гармонично вписываться в общее оформление спектакля.
Чувство меры и хороший вкус – главный критерий в создании костюма. Артист обычно испытывает к своему костюму теплые чувства – ведь он помогает актеру создать запоминающийся образ и добиться успеха.
Пролог в театре.
Пролог, введение, вступительное слово перед спектаклем появились в театре с незапамятных времен. В период Средневековья и в эпоху Возрождения без пролога не обходилось ни одно театральное представление. Авторы пьес даже начали прописывать текст пролога в начале пьесы.
«Пролог» - так назывался и актер, выходивший к почтенной публике и произносивший вступительную речь перед спектаклем. В тексте пролога в те давние времена обычно содержались хвалебные слова королю или герцогу, могущественному властелину, который помог или позволил устроить представление в своих владениях. Затем актер мог добавить несколько слов о содержании и достоинствах пьесы, которую зрителям предстоит смотреть. Позволялось также сказать несколько слов о труппе, которая будет исполнять пьесу. В заключение актер-пролог просил почтенную публику о снисхождении, если она найдет в пьесе или в игре артистов какой-либо изъян, а заодно просил зрителей набраться терпения, смотреть и слушать со вниманием и не покидать представления до конца.
В пьесе У. Шекспира «Гамлет» есть сцена, где один из артистов произносит пролог:
«Теперь для представления
Мы просим снисхождения
И толику терпения.»
«Что это, пролог или девиз на колечке?» - иронично интересуется Гамлет принц датский, удивленный таким односложным прологом. Вместе с Гамлетом иронизирует и Шекспир, давая нам понять, что вступление, как правило, было не таким уж коротким.
В конце 19-го века актуальность пролога в русском театре начала отпадать, а в культуре советского театра пролог совсем упразднили – длинные и пространные речи перед спектаклями стали считаться устаревшей нормой. Расточать хвалебные речи в адрес собственной постановки режиссеру советского театра не позволяла скромность, а вести воспитательные беседы со зрителем о правилах поведения в театре казалось неуместным. Зрительный зал заполняла образованная, начитанная публика, хорошо знакомая с текстом автора и с культурой поведения в театре. Необходимость пролога, казалось, ушла в прошлое навсегда.
И кто бы мог подумать, что он вернется на сцену в прогрессивном 21-ом веке! Современный театр вновь обратился к этой форме взаимодействия со зрителем. Вновь перед началом спектакля в зрительном зале появляется «пролог». Теперь его роль исполняет режиссер спектакля, поясняя публике смысл того, что ей предстоит увидеть; рассказывая о ценности спектакля и трудах, вложенных в постановку пьесы; предупреждая о необходимости внимательно смотреть и слушать, исключить пользование мобильными телефонами, разговоры в зале и перемещения во время спектакля.
Только в отличие от принца Гамлета, публика 21-го века настроена на то, чтобы пролог был как можно короче.
|
